기사 작성: 이종근 - 2025년 06월 30일 08시04분
전북출신 작가들, 한국 미술의 맥을 잇다
국립현대미술관의 상설전 ‘한국근현대미술 II’ 과천관서 개막...이건용, 육근병, 민경갑, 김수자 작품 소개
이 작품은 화면 뒤에서 앞으로 팔을 내밀어 그 팔이 닿는 데까지 선을 그어나가 완성시키는 작품이다.
작가의 키 높이에 달하는 1미터 67센티 높이의 베니어합판을 세워놓고 뒤에서 손을 뻗어 반복적으로 선을 그은 다음 그려진 부분을 톱으로 잘라낸다. 즉 베니어판을 몸 뒤에 세워놓고 팔이 허용하는 범위 내에서 선을 그은 뒤 그 선에 맞추어 베니어판을 잘라낸다.
그다음 다시 뒤에서 더 깊숙이 앞으로 손을 넣어 드로잉을 한 후 다시 잘라내기를 반복해 나간다. 잘라진 베니어 판 뒤에서 손을 앞으로 최대한 넘겨 베니어 판 앞면에 드로잉을 해나가는 것이다. 앞면에 그려진 최대한의 폭 만큼 베니어판을 잘라가며 그리기를 반복해나가고, 베니어판이 점점 작아질수록 그리기 위해 움직이는 신체(허리)의 각도도 넓어진다. 마지막엔 잘라낸 베니어판들을 이어 전시하는데, 다섯 개의 잘려진 캔버스는 잘려진 순서대로 바닥에서부터 다시 연결되어 전체를 이룬다.
이건용 군산대 명예교수는 홍익대학교 미술대학 서양화 전공, 계명대학교 미술교육대학원을 졸업했다. 1969년에 결성되어 현대미술에 대한 이론적 탐구와 실제 미술작업의 실천을 긴밀히 연결시키고자 했던 ST집단을 이끌었으며, 또 다른 중요 집단이었던 AG에 주요 성원으로 참여하여 한국현대미술의 최전선에서 개념미술, 행위미술, 설치작업 등등 새롭고 색다른 여러 가지 시도를 열어젖히는데 중요한 역할을 하였다. 40년이 넘는 세월동안 전위적이고 실험적인 태도를 견지해온 작가의 행보는 한국 현대미술의 생태계에서 그 다양성을 유지하는데 크게 기여했다. 현재에도 왕성한 창작열을 과시하며 열정적으로 새로운 작업에 임하고 있는 작가이다.
전주출신 육근병의 1995년작 '풍경의 소리 + 터를 위한 눈 199501'도 소개된다. 작가에게 ‘눈’은 중요한 모티프이다. 그의 30여 년에 걸친 작품에 지속적으로 이 모티브가 등장한다. 작가에게 눈은 세상을 바라보는 창구이자 현실을 직시하는 매개이다. 타인과 소통하고, 우리가 살아가는 현실을 응시함으로써 사유할 수 있는 의미로 등장한다. 단순히 신체 기관인 눈뿐만 아니라, 카메라 렌즈나 창과 같이 세상과 연결하는 통로로서 중요한 의미를 갖는다.
작가는 늘 '눈'이라는 형상과 무덤을 시각화한 '봉분'을 작품에 자주 등장시켜 왔다.
작가가 국제적으로 이름을 알리며 활동하던 시기에 안과 밖, 서양과 동양 등 이분법적으로 바라보는 시선이 팽배했다. 작가는 무덤이라는 매개를 통해 죽은 자와 산 자의 공간이라는 형상을 만들어 보는 그 이면의 이야기가 있음을 보여준다.
전 원광대 교수 민경갑, 김수자 작가의 작품도 전시된다.
국립현대미술관은 26일부터 과천 미술관서 '한국근현대미술 II'를 갖는다.
이는 한국근현대미술의 역사와 정체성을 조명하는 상설전이다.
한국근현대미술 100년사를 집중 조망하는 이번 상설전시는 지난달 앞서 개막한 '한국근현대미술Ⅰ' 에 이어 1950년대부터 1990년대까지 한국근현대미술 주요작품 110여 점을 소개한다. 김환기, 박생광, 박서보, 박이소, 서세옥, 성능경, 윤형근, 안규철, 이불, 이성자, 이우환, 최욱경 등 작가 70여 명의 작품을 통해 한국전쟁 이후 산업화와 민주화 등 격동의 시기를 거치며 변화를 거듭해 온 한국근현대미술사를 살펴본다. 또한 '한국근현대미술Ⅰ'에서 41점, '한국근현대미술 II'에서 17점까지 과천관에서만 58점의 이건희컬렉션을 대규모로 선보이며 관람객들의 눈길을 사로잡을 것으로 기대된다.
전시는 김환기, 윤형근을 집중 조명하는 2개의 ‘작가의 방’을 포함해 11개의 소주제로 구성된다.
김환기의 삶과 작업에서 영감을 받아 조향된 공간 향과 윤형근의 작품 세계와 공명하는 사운드를 전시 공간에 함께 선보이며, 시각뿐 아니라 후각과 청각을 통해 두 거장의 작품 세계에 몰입할 수 있도록 했다. 또 ‘정부 수립과 미술’, ‘구상과 추상의 경계에서’, ‘모더니스트 여성 미술가들’ 등 한국근현대미술사를 역사의 흐름과 더불어 사회, 문화적 관점으로 서술하는 소주제를 통해 통상적인 미술사에서 놓치기 쉬웠던 작가와 작품을 재조명한다. 작가의 방은 1년 단위로 교체되며, 일부 소주제 공간의 작품도 교체하여 한국근현대미술사를 폭넓게 조망할 예정이다.
1부 ‘정부 수립과 미술’에서는 해방 이후 국가 주도로 추진된 대한민국미술전람회(약칭 국전)의 수상작을 중심으로 미술 제도와 화단의 다양한 흐름을 살펴본다. 국전은 1949년을 시작으로 6·25전쟁으로 중단된 뒤 1953년 재개되어 1981년 제 30회까지 이어졌다. 류경채의 '폐림지 근방'(1949)은 국전 초대 대통령상을 수상한 작품으로 전후 폐허가 된 대지를 사실과 추상이 공존하는 감각적 표현으로 담아냈다. 안상철의 '청일'(1959), 박노수의 '선소운'(1955)은 국전 체제 안에서 한국화의 전통적 어법을 현대적으로 변형하려는 여러 시도들을 보여준다. 한국미술의 새로운 리얼리즘을 개척한 작품이란 호평을 받았던 김형근의 '과녁'(1970)도 선보인다.
2부 ‘구상과 추상의 경계에서’에서는 1950년대 후반부터 본격화된 모더니즘 회화의 흐름을 조명한다. 이 시기 작가들은 전쟁의 폐허 위에서 서구 현대미술의 영향을 받아 현실과 내면, 감성과 구조를 결합한 새로운 조형 언어를 탐색했다. 문우식의 '무명교를 위한 구도'(1957), 이봉상의 '푸른 여인'(1959), 권옥연의 '토기'(1964), 권진규의 '코메디'(1967) 등 구상과 추상의 경계를 유연하게 넘나들던 작가들의 조형 실험에 주목한다.
3부 ‘추상미술의 확산’에서는 1950년대 후반부터 1970년대까지 현대성과 전위성을 표방하며 한국미술의 주요 경향으로 자리 잡았던 추상미술의 흐름을 살펴본다. 앵포르멜 회화의 대표작으로 생명의 근원적 에너지를 표현한 박서보의 '원형질 1-62'(1962), 산업화의 시각화를 통해 모더니즘 회화의 본질을 탐색한 이승조의 '핵 No. G-99'(1968) 등 기하학적 추상 회화를 비롯, 박석원의 '초토'(1968), 송영수의 '생의 형태'(1967) 등 철이라는 재료를 통해 시대의 불안과 인간의 감정을 형상화했던 조각 작품들도 함께 선보인다.
4부 첫 번째 작가의 방 ‘푸른 여백, 마음의 풍경: 김환기(1913-1974)’에서는 한국 추상미술의 선구자 김환기의 작품세계를 시기별로 조망한다.
초기작 '론도'(1938)는 음악적 리듬과 형태의 실험을 보여주는 추상 회화로 국가등록문화유산 지정 작품이다. 산과 달, 구름, 나무 등을 절제된 색면과 점, 선의 간결한 조합으로 표현해 한국적 감수성을 담아낸 파리 시기(1956-1959) 대표작 '산월'(1958), 반복되는 점과 푸른색의 화면을 통해 한국적 서정성과 여백의 미를 구현한 뉴욕 시기의 대표작 '새벽 #3'(1964–1965) 등도 함께 소개한다. 김환기의 작품에서 영감을 받아 특별 제작한 공간향(수토메 아포테케리 협업)과 함께 작품을 감상하는 이 공간에서는 시각적 리듬감, 조형성과 함께 후각으로도 김환기의 작품 세계에 더욱 몰입할 수 있게 했다.
5부 ‘모더니스트 여성 미술가들’에서는 한국 추상미술의 역사에서 주변화되었던 여성 미술가들의 실험과 시도를 재조명한다. 이성자의 '극지로 가는 길 83년 11월'(1983), 방혜자의 '정기'(1969), 최욱경의 '환희'(1977), 심경자의 '별전'(1973) 등은 자연, 생명, 감정, 기억, 내면과 같이 감각적이고 상징적인 주제로 추상의 세계를 구축한 작품을 소개한다. 이와 함께 김정숙, 윤영자, 김윤신의 조각과 이신자, 박래현의 태피스트리 등 다양한 재료와 매체를 통해 한국 현대미술의 지형을 확장한 여성 작가들의 작품들을 선보인다.
6부 ‘행위, 사물, 개념: 전위미술의 실험들’에서는 신체, 행위, 사물, 자연 등 새로운 매체와 형식을 실험하며 미술의 영역을 확장했던 1960–70년대 작가들을 만난다. 이승택의 '바람 연작 드로잉'(1971), 곽인식의 '작품 63'(1963), 이건용의 '신체 드로잉 76-1(뒤에서)'(1976)을 포함, 곽덕준, 강국진, 이강소, 성능경, 박현기 등 한국 실험미술의 새로운 지평을 열었던 작품들이 소개된다.
7부 ‘한국적 추상의 모색’에서는 1970년대 한국 미술계에서 단색조 회화를 중심으로 전개된 한국 고유의 추상미술 흐름을 다룬다. 반복과 절제, 여백과 물성의 긴장 속에서 전통과 현대의 융합을 모색하며 ‘한국적 미니멀리즘’이라는 독자적 언어를 구축해 나갔던 시기를 이우환의 '점으로부터'(1973), 이동엽의 '상황 B'(1974)를 포함, 박서보, 하종현 등의 작품을 통해 살펴본다.
8부 두 번째 작가의 방 ‘청다색, 천지문: 윤형근(1928–2007)’에서는 격동의 현대사를 온몸으로 겪으며 침묵과 절제의 회화를 구축한 윤형근을 만난다. 기하학적 추상의 가능성을 탐색했던 '69-E8:(1969)부터, 청색과 암갈색의 물감을 혼합하고 수차례 덧칠해 존재의 본질과 인간의 고통, 숭고를 담아낸 '청다색'(1976-1977), '청다색 86-29'(1986) 등 대표작을 선보인다. 이와 함께 윤형근의 예술세계와 공명하는 사운드를 통해 깊은 몰입의 시간을 경험할 수 있도록 정재일 음악감독과 협업한 플레이리스트를 전시 공간에서 함께 선보인다.
9부 ‘한국화의 새로운 전환’에서는 1980년대 전통과 현대, 수묵과 채색이라는 이분법을 넘어서며 새로운 전환기를 맞았던 한국화를 박생광의 '무속 4'(1980), 천경자의 '누가 울어 2'(1989), 이종상의 '묵희–쇄쇄진효'(1986), 황창배의 '20-1'(1987)을 비롯, 이숙자, 민경갑, 이왈종, 서세옥, 송영방 등의 주요 소장품으로 소개한다.
10부 ‘형상의 회복과 현실의 반영’에서는 추상 일변도의 미술 경향에서 벗어나 형상성의 회복을 통해 당대 현실을 반영하려는 예술 실천이 본격화되었던 1980년대 흐름을 조망한다. 김강용의 '현실+장 79'(1979), 이석주의 '일상'(1985), 서용선의 '청계천에서'(1986-1989)와 신학철의 '한국근대사-종합'(1982-1983) 등 미술의 다원성과 사회참여 미술의 확장을 이끈 시기의 작품들을 소개한다.
11부 ‘동시대를 향하여’에서는 민주화, 세계화의 흐름 속에서 동시대 미술로 전환하게 된 1990년대 이후 한국 현대미술을 소개한다. 개념적 접근으로 사물과 언어, 실재와 이미지의 간극을 드러내며 관객의 사고를 자극하는 박이소의 '삼위일체'(1994), 안규철의 '그 남자의 가방'(1993), 김범의 '무제(닭 요리하기)'(1991)와 영상, 설치, 오브제 등 다양한 매체를 통해 동시대 미술의 스펙트럼을 확장한 육근병의 '풍경소리+터를 위한 눈 199501'(1995), 김수자 '마음과 세계'(1991) 등을 선보인다. 또, 1990년대 후반 사이보그 시리즈를 시작으로 기술과 신체의 결합, 미래적 존재에 대한 탐구로 국제 미술계에서 주목받아 온 이불의 대표작 '스턴바우 No. 23'(2009)가 2025년 신소장품으로 수집되어 처음 선보여진다.
김성희 국립현대미술관장은 “앞서 개막한 1부와 함께 한국근현대미술 100년사를 조망하는 상설전시를 통해 국내외 관람객들에게 한국미술의 역사와 가치를 전하고, 세계적으로 주목받고 있는 동시대 한국미술의 근원을 살피는 기회가 되기를 바란다”고 했다.
전시와 함께 다양한 연계프로그램과 교육프로그램도 진행된다. 청소년을 위한 ‘MMCA 하이라이트’, 장애통합학급을 위한 ‘함께 보는 미술관 한 작품’이 진행되며, 매월 전시 연계 강연도 개최될 예정이다. 자세한 내용은 향후 국립현대미술관 누리집(mmca.go.kr)에서 확인할 수 있다./이종근기자
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지면 : 2025-07-01 10면
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